→ Dix-huit artistes internationaux ont reçu chacun un thème différent, sous la forme d'une pièce de la série, et devaient ainsi ré-imaginer cet accessoire, en s'inspirant d'un personnage ou d'un arc. Les résultats sont vraiment beaux !
→__→• Collection #1 : Fire
→→→ Œufs de dragon, sculpture en bois par Simon O'Rourke (Pays de Galle)
“Une fois que j'ai eu décidé du concept, il me fallait le bon morceau de bois. J'avais un gros tronc d'if dans ma cours, qui attendait depuis huit ans le bon projet. C'est une belle couleur à l'intérieur, et cet accessoire en particulier avait une belle apparence extérieure. J'ai du changer l'apparence du tronc pour y inclure quelques détails de la texture incroyable des œufs.”
→→→ Crâne de dragon, peinture par Jeff Soto (New York)
“J'ai eu plusieurs idées sur quels éléments inclure dans le design - mettre un œil de dragon ou pas, faire une tête de dragon... Je me suis d'abord servi d'une photo de l'accessoire, et j'ai dessiné par dessus à l'aide d'un logiciel. J'ai créé plusieurs idées, mais ce qui résonnait le plus en moi, c'était d'amener ce crâne mort à la vie, grâce à des couleurs vives. Cela représente les dragons sous un jour positif, comme une force positive de la nature. J'ai commencé par répandre de la peinture sur le crâne, pour avoir une sous-couche et une base. J'ai ensuite peint par dessus, en suivant les contours et les formes du crâne.”
→→→ Œufs de dragon, sculpture en bois par Simon O'Rourke (Pays de Galle)
“Une fois que j'ai eu décidé du concept, il me fallait le bon morceau de bois. J'avais un gros tronc d'if dans ma cours, qui attendait depuis huit ans le bon projet. C'est une belle couleur à l'intérieur, et cet accessoire en particulier avait une belle apparence extérieure. J'ai du changer l'apparence du tronc pour y inclure quelques détails de la texture incroyable des œufs.”
→→→ Crâne de dragon, peinture par Jeff Soto (New York)
“J'ai eu plusieurs idées sur quels éléments inclure dans le design - mettre un œil de dragon ou pas, faire une tête de dragon... Je me suis d'abord servi d'une photo de l'accessoire, et j'ai dessiné par dessus à l'aide d'un logiciel. J'ai créé plusieurs idées, mais ce qui résonnait le plus en moi, c'était d'amener ce crâne mort à la vie, grâce à des couleurs vives. Cela représente les dragons sous un jour positif, comme une force positive de la nature. J'ai commencé par répandre de la peinture sur le crâne, pour avoir une sous-couche et une base. J'ai ensuite peint par dessus, en suivant les contours et les formes du crâne.”
→__→• Collection #2 : Regal
→→→ Le collier des Noces Violettes de Sansa, peinture par Magdalena Kaczan (Pologne)
“Sansa est le personnage féminin auquel je prête le plus d'attention dans la série. La mort de Joffrey au cours des Noces Violettes est le début d'un nouveau chapitre pour elle : elle est enfin libre du garçon à l'origine de ses pertes douloureuses, de son isolement, de sa souffrance et de ses désillusions tragiques. Et tout ça grâce à une petite pierre précieuse, où on avait dissimulé du poison à l'intérieur, qu'elle a indirectement délivré à Joffrey, avec un résultat tout aussi mortel. Je voulais trouver un moyen de construire une scène intéressante autour de cela, ainsi que son histoire macabre, et celle de Sansa.”
→→→ La couronne de la Reine Cersei, peinture digitale par Mike Wrobel (Japon)
“Cersei a tout perdu pour en arriver où elle est et devenir reine. Elle a perdu tous ses enfants et le soutien de son frère. Toutes les choses qui étaient source d'empathie pour elle ont disparue. A présent, c'est une femme forte, isolée et déterminée. Plus rien ne l'arrête désormais.”
→→→ Le collier dragon de Daenerys, sculpture par Nicholas Brown (Irlande du Nord)
“Toutes mes sculptures précédentes étaient des créatures, des personnages fictifs, des monstres, mais je n'avais jamais tenté de faire une véritable personne avant. C'était mon premier portrait, et ma première création sur un matériel de type marmoréen. Mes travaux précédents étaient surtout sur de l'argile sèche et du silicone souple ressemblant à de la peau humaine pour plus de réalisme. La statue de reine de Daenerys nécessitait une représentation plus majestueuse. Je me suis donc basé sur un buste de style gréco-romain, à l'apparence de marbre.”
→→→ Le collier des Noces Violettes de Sansa, peinture par Magdalena Kaczan (Pologne)
“Sansa est le personnage féminin auquel je prête le plus d'attention dans la série. La mort de Joffrey au cours des Noces Violettes est le début d'un nouveau chapitre pour elle : elle est enfin libre du garçon à l'origine de ses pertes douloureuses, de son isolement, de sa souffrance et de ses désillusions tragiques. Et tout ça grâce à une petite pierre précieuse, où on avait dissimulé du poison à l'intérieur, qu'elle a indirectement délivré à Joffrey, avec un résultat tout aussi mortel. Je voulais trouver un moyen de construire une scène intéressante autour de cela, ainsi que son histoire macabre, et celle de Sansa.”
→→→ La couronne de la Reine Cersei, peinture digitale par Mike Wrobel (Japon)
“Cersei a tout perdu pour en arriver où elle est et devenir reine. Elle a perdu tous ses enfants et le soutien de son frère. Toutes les choses qui étaient source d'empathie pour elle ont disparue. A présent, c'est une femme forte, isolée et déterminée. Plus rien ne l'arrête désormais.”
→→→ Le collier dragon de Daenerys, sculpture par Nicholas Brown (Irlande du Nord)
“Toutes mes sculptures précédentes étaient des créatures, des personnages fictifs, des monstres, mais je n'avais jamais tenté de faire une véritable personne avant. C'était mon premier portrait, et ma première création sur un matériel de type marmoréen. Mes travaux précédents étaient surtout sur de l'argile sèche et du silicone souple ressemblant à de la peau humaine pour plus de réalisme. La statue de reine de Daenerys nécessitait une représentation plus majestueuse. Je me suis donc basé sur un buste de style gréco-romain, à l'apparence de marbre.”
→__→• Collection #3 : Beyond the Wall
→→→ L'épée de glace des Marcheurs Blancs, sculpture sur glace de Shintaro Okamoto (New York)
“C'était naturel de sculpter le Roi de la Nuit sur de la véritable glace. J'ai passé des heures à étudier les images de référence et revoir la série. D'abord, il me fallait les dimensions pour aller avec l'épée et calculer les plans de construction des blocs de glace. Et j'ai ensuite cherché comment la sculpture tiendrait l'épée de façon stable et sûre pour la pose finale. Avant de commencer le découpage, les blocs de glace étaient empilés et j'ai dessiné sur la surface. A peu près 70% de la sculpture a été fait avec une scie électrique, et le reste avec des piques et des ciseaux. On a utilisé des meuleuses à matrices pour le visage et les textures spéciales.”
→→→ Le manteau de Lord Commandant de Jon Snow, confection par Sarah Symes (Colombie Britannique)
“Ma première idée a été de simplement réimaginer le manteau sur une toile, mais je me suis poussée à créer une pièce qui comprenait ce manteau et les histoires complexes et puissantes de la Garde de Nuit. Au premier coup d'oeil, mon travail est un assemblage de blanc contre noir, ce qui représente la Garde contre ce qu'il y a au-delà du Mur. Il y a aussi des couches qui représentant des lieux du paysage. Les fragments de noir représentent les patrouilleurs, les intendants et les constructeurs. Les fragments de blanc représentent les Marcheurs Blancs. Les bleus froids et foncés représentent le paysage gelé de la Longue Nuit. Et les touches de roses sont pour le lever de soleil hivernal, qui représente la chaleur et l'espoir.”
→→→ Dagues en verredragon, assemblage par Kris Kuksi (Kansas)
“Observer des qualités aussi captivantes dans ces simples accessoires m'ont conduit à envisager de les présenter comme s'ils étaient vénérés au même titre que reliques sacrées. Une idée qui m'est venue tout de suite a été un coffre ornementé où ils seraient présentés : un vaisseaux qui les protégerait pendant les transports, et réaffirmerait leur importance dans la guerre contre les Marcheurs Blancs. J'ai commencé par le cœur directement depuis le bois. Les semaines suivantes, j'ai ajouté des détails, comme les appliqués, de petites figurines et enfin, une finition à la peinture pour représenter l'hiver.”
→→→ L'épée flamboyante de Beric Dondarrion, néon par Brooklyn Glass (New York)
“C'est toujours intéressant de voir les coulisses de la magie de la télévision. Le design original a nécessité une certaine finesse afin de le rendre 'néonable.' On a passé un certain temps à chercher comment configurer le câblage, mais une fois qu'on a eu élaboré la logistique c'était facile. Notre design était très complexe et a fait appel à nos ceintreurs les plus talentueux pour réussir les subtilités du lettrage tout en conservant son intégrité structurelle. C'était un défi très excitant.”
→→→ L'épée de glace des Marcheurs Blancs, sculpture sur glace de Shintaro Okamoto (New York)
“C'était naturel de sculpter le Roi de la Nuit sur de la véritable glace. J'ai passé des heures à étudier les images de référence et revoir la série. D'abord, il me fallait les dimensions pour aller avec l'épée et calculer les plans de construction des blocs de glace. Et j'ai ensuite cherché comment la sculpture tiendrait l'épée de façon stable et sûre pour la pose finale. Avant de commencer le découpage, les blocs de glace étaient empilés et j'ai dessiné sur la surface. A peu près 70% de la sculpture a été fait avec une scie électrique, et le reste avec des piques et des ciseaux. On a utilisé des meuleuses à matrices pour le visage et les textures spéciales.”
→→→ Le manteau de Lord Commandant de Jon Snow, confection par Sarah Symes (Colombie Britannique)
“Ma première idée a été de simplement réimaginer le manteau sur une toile, mais je me suis poussée à créer une pièce qui comprenait ce manteau et les histoires complexes et puissantes de la Garde de Nuit. Au premier coup d'oeil, mon travail est un assemblage de blanc contre noir, ce qui représente la Garde contre ce qu'il y a au-delà du Mur. Il y a aussi des couches qui représentant des lieux du paysage. Les fragments de noir représentent les patrouilleurs, les intendants et les constructeurs. Les fragments de blanc représentent les Marcheurs Blancs. Les bleus froids et foncés représentent le paysage gelé de la Longue Nuit. Et les touches de roses sont pour le lever de soleil hivernal, qui représente la chaleur et l'espoir.”
→→→ Dagues en verredragon, assemblage par Kris Kuksi (Kansas)
“Observer des qualités aussi captivantes dans ces simples accessoires m'ont conduit à envisager de les présenter comme s'ils étaient vénérés au même titre que reliques sacrées. Une idée qui m'est venue tout de suite a été un coffre ornementé où ils seraient présentés : un vaisseaux qui les protégerait pendant les transports, et réaffirmerait leur importance dans la guerre contre les Marcheurs Blancs. J'ai commencé par le cœur directement depuis le bois. Les semaines suivantes, j'ai ajouté des détails, comme les appliqués, de petites figurines et enfin, une finition à la peinture pour représenter l'hiver.”
→→→ L'épée flamboyante de Beric Dondarrion, néon par Brooklyn Glass (New York)
“C'est toujours intéressant de voir les coulisses de la magie de la télévision. Le design original a nécessité une certaine finesse afin de le rendre 'néonable.' On a passé un certain temps à chercher comment configurer le câblage, mais une fois qu'on a eu élaboré la logistique c'était facile. Notre design était très complexe et a fait appel à nos ceintreurs les plus talentueux pour réussir les subtilités du lettrage tout en conservant son intégrité structurelle. C'était un défi très excitant.”
→__→• Collection #4 : Honor
→→→ Féale, peinture digitale par Robert Ball (Angleterre)
“Avant de dessiner sur papier, j'ai réfléchi à l'aspect le plus intéressant et le plus simple de l'histoire de Féale : l'épée de Ned Stark, Glace, a retrouvé son chemin au service des Stark, comme si elle avait sa propre volonté. Puis, j'ai ensuite imaginé amener à la vie l'un des moments les plus importants de l'histoire de Féale à l'écran : l'exécution de Stannis Baratheon lors de sa tentative ratée d'assiéger Winterfell. J'ai essayé de représenter cela par le symbolisme de couleurs opposées, feu et glace, bleu et rouge.”
→→→ Bouclier d'Immaculé, peinture par Lena Danya (Floride)
“Je voulais intégrer de l'eau, des bateaux, les Immaculés, les trois dragons et Daenerys. J'ai aussi revu des épisodes des saisons 6 et 7 pour mieux observer l'armure des Immaculés et la flotte Targaryen : j'ai inclus en tout huit scènes différentes. J'ai créé une version digitale de la peinture en mélangeant mes références ensemble, et pour décider de leur emplacement sur le bouclier. Après avoir préparé le bouclier, j'ai dessiné les contours et grandes lignes à la craie, avant d'utiliser une peinture à l'huile.”
→→→ Bouclier Stark, peinture par Eva Eskalinen (Colombie Britannique)
“Pour la plupart de mes travaux, je dessine digitalement. De cette façon, il est plus facile de faire différentes itérations et des ajustements rapides. J'avais un modèle numérique de la conception originale du bouclier Stark et j'ai commencé à dessiner dessus avec des outils de dessin numériques. J'ai listé ce qui me venait à l'esprit : les membres de la famille, le Mur et au-delà, les loups, le bois sacré, et la Corneille à Trois Yeux. D'un point de vue thématique, je voulais que le design représente les Stark et leur histoire, qui on a perdu, qui reste, quel genre de pouvoirs surnaturels sont en jeu dans le Nord, et comment ils sont connectés.”
→→→ Grandgriffe, illustration par Laurent Durieux (Belgique)
“Je commence par dessiner quelques idées rapides et grossières sur le papier. Une fois que j'ai quelque chose qui d'après moi fonctionnera, j'ajoute les couleurs. Quand le concept est solidifié, je commence à rassembler toutes sortes de références et documentation afin d'être aussi fidèle que possible. Puis je commence le dessin en noir et blanc et la composition finale. L'étape suivante est la colorisation, et le rendu avec la hachure numérique. J'enlève les contours noirs en les colorant. C'est très fastidieux et très long, mais le résultat final en vaut la peine.”
→→→ Féale, peinture digitale par Robert Ball (Angleterre)
“Avant de dessiner sur papier, j'ai réfléchi à l'aspect le plus intéressant et le plus simple de l'histoire de Féale : l'épée de Ned Stark, Glace, a retrouvé son chemin au service des Stark, comme si elle avait sa propre volonté. Puis, j'ai ensuite imaginé amener à la vie l'un des moments les plus importants de l'histoire de Féale à l'écran : l'exécution de Stannis Baratheon lors de sa tentative ratée d'assiéger Winterfell. J'ai essayé de représenter cela par le symbolisme de couleurs opposées, feu et glace, bleu et rouge.”
→→→ Bouclier d'Immaculé, peinture par Lena Danya (Floride)
“Je voulais intégrer de l'eau, des bateaux, les Immaculés, les trois dragons et Daenerys. J'ai aussi revu des épisodes des saisons 6 et 7 pour mieux observer l'armure des Immaculés et la flotte Targaryen : j'ai inclus en tout huit scènes différentes. J'ai créé une version digitale de la peinture en mélangeant mes références ensemble, et pour décider de leur emplacement sur le bouclier. Après avoir préparé le bouclier, j'ai dessiné les contours et grandes lignes à la craie, avant d'utiliser une peinture à l'huile.”
→→→ Bouclier Stark, peinture par Eva Eskalinen (Colombie Britannique)
“Pour la plupart de mes travaux, je dessine digitalement. De cette façon, il est plus facile de faire différentes itérations et des ajustements rapides. J'avais un modèle numérique de la conception originale du bouclier Stark et j'ai commencé à dessiner dessus avec des outils de dessin numériques. J'ai listé ce qui me venait à l'esprit : les membres de la famille, le Mur et au-delà, les loups, le bois sacré, et la Corneille à Trois Yeux. D'un point de vue thématique, je voulais que le design représente les Stark et leur histoire, qui on a perdu, qui reste, quel genre de pouvoirs surnaturels sont en jeu dans le Nord, et comment ils sont connectés.”
→→→ Grandgriffe, illustration par Laurent Durieux (Belgique)
“Je commence par dessiner quelques idées rapides et grossières sur le papier. Une fois que j'ai quelque chose qui d'après moi fonctionnera, j'ajoute les couleurs. Quand le concept est solidifié, je commence à rassembler toutes sortes de références et documentation afin d'être aussi fidèle que possible. Puis je commence le dessin en noir et blanc et la composition finale. L'étape suivante est la colorisation, et le rendu avec la hachure numérique. J'enlève les contours noirs en les colorant. C'est très fastidieux et très long, mais le résultat final en vaut la peine.”
→__→• Collection #5 : Gold
→→→ La main dorée de Jaime, sculpture métallique par Thomas Grabarczyk (Pologne)
“Nous avons décidé que la main de Jaime devrait tenir deux balances avec des valeurs opposées : un symbole du pouvoir sans pitié des Lannister d'un côté, et autre chose qui montrerait combien Jaime a changé. Dans la saison 7, Jaime est déchiré par son désir de rester loyal aux valeurs de sa maison, mais il est opposé aux décisions cruelles de Cersei. Le brassard de l'armure de Jaime symbolise son sens des responsabilités, ses allégeances et obéissances. L'autre côté contient la réplique d'un cœur humain, de façon à représenter l'humanité de Jaime. Au départ, on avait l'intention de forger tous les éléments à partir de cuivre, puisque c'est plus malléable et facile à former, mais après de longues délibérations, on s'est finalement mis d'accord sur du laiton.”
→→→ La broche de main de la reine de Daenerys, peinture digitale de Victo Ngai (Californie)
“Quand je tenais la broche, je me suis dit que le bout pointu de l'épingle ressemblait à une arme aiguisée. Cela a inspiré l'idée de montrer cet accessoire comme le moyen pour Tyrion d'endommager ses liens avec les Lannister et de joindre ses forces à celles de Daenerys. Les deux familles sont représentées par leur emblème respectif : lion et dragons. L'épingle poignardant le lion dans le ventre représente le point crucial du voyage de Tyrion - lorsqu'il a tiré ce carreaux fatal sur Tywin ; cela représente également l'adversaire formidable que Tyrion est devenu pour les Lannister. Le terrain est couvert de soldats en train de se battre, ce qui fait allusion à l'état de violence dans lequel se trouve le continent, tandis que les nuages sombres en haut représentant les menaces qui viennent du Nord.”
→→→ Armure de la garde royale, peinture à l'huile par Julie Bell (Pennsylvanie)
“Je voulais me focaliser sur l'aspect émotionnel d'une bataille, mais n'ayant jamais été impliquée dans aucun combat militaire, j'ai dû réfléchir à une façon de montrer ça. J'ai pensé à un moment dans ma vie qui m'a vraiment secouée. Après avoir de nouveau ressenti ce moment, je me suis intéressée à des œuvres crées par des soldats pendant la Seconde Guerre Mondiale. C'était plus ou moins comme ça que j'imagine le method acting, auquel ont recours les comédiens pour être habités par leur personnage.”
→→→ Les marqueurs de carte de Daenerys, sculpture sur bois par Chris Shey (Ohio)
“En termes d'exécution, j'ai commencé par travailler sur une bûche de noyer qui mesurait 1,20 mètres de long, 60 centimètres de large, 30 centimètres d'épaisseur, et qui pesait 110 kilos. Comme pour tous mes projets, je n'utilise pas d'outils électriques, alors j'ai joyeusement sculpté à la main chaque pièce pendant 18 jours, pour un total de 140 heures avant de terminer. La sculpture est comme une danse chorégraphiée. Avec un projet si complexe, chaque élément doit s'intégrer correction à un autre : le museau doit être sur la tête, la fourrure du dos doit rejoindre la queue. Il faut être capable d'avoir la capacité de voir et de se concentrer pour connecter tous les éléments ensemble et créer la danse parfaite.”
→→Source
→→→ La main dorée de Jaime, sculpture métallique par Thomas Grabarczyk (Pologne)
“Nous avons décidé que la main de Jaime devrait tenir deux balances avec des valeurs opposées : un symbole du pouvoir sans pitié des Lannister d'un côté, et autre chose qui montrerait combien Jaime a changé. Dans la saison 7, Jaime est déchiré par son désir de rester loyal aux valeurs de sa maison, mais il est opposé aux décisions cruelles de Cersei. Le brassard de l'armure de Jaime symbolise son sens des responsabilités, ses allégeances et obéissances. L'autre côté contient la réplique d'un cœur humain, de façon à représenter l'humanité de Jaime. Au départ, on avait l'intention de forger tous les éléments à partir de cuivre, puisque c'est plus malléable et facile à former, mais après de longues délibérations, on s'est finalement mis d'accord sur du laiton.”
→→→ La broche de main de la reine de Daenerys, peinture digitale de Victo Ngai (Californie)
“Quand je tenais la broche, je me suis dit que le bout pointu de l'épingle ressemblait à une arme aiguisée. Cela a inspiré l'idée de montrer cet accessoire comme le moyen pour Tyrion d'endommager ses liens avec les Lannister et de joindre ses forces à celles de Daenerys. Les deux familles sont représentées par leur emblème respectif : lion et dragons. L'épingle poignardant le lion dans le ventre représente le point crucial du voyage de Tyrion - lorsqu'il a tiré ce carreaux fatal sur Tywin ; cela représente également l'adversaire formidable que Tyrion est devenu pour les Lannister. Le terrain est couvert de soldats en train de se battre, ce qui fait allusion à l'état de violence dans lequel se trouve le continent, tandis que les nuages sombres en haut représentant les menaces qui viennent du Nord.”
→→→ Armure de la garde royale, peinture à l'huile par Julie Bell (Pennsylvanie)
“Je voulais me focaliser sur l'aspect émotionnel d'une bataille, mais n'ayant jamais été impliquée dans aucun combat militaire, j'ai dû réfléchir à une façon de montrer ça. J'ai pensé à un moment dans ma vie qui m'a vraiment secouée. Après avoir de nouveau ressenti ce moment, je me suis intéressée à des œuvres crées par des soldats pendant la Seconde Guerre Mondiale. C'était plus ou moins comme ça que j'imagine le method acting, auquel ont recours les comédiens pour être habités par leur personnage.”
→→→ Les marqueurs de carte de Daenerys, sculpture sur bois par Chris Shey (Ohio)
“En termes d'exécution, j'ai commencé par travailler sur une bûche de noyer qui mesurait 1,20 mètres de long, 60 centimètres de large, 30 centimètres d'épaisseur, et qui pesait 110 kilos. Comme pour tous mes projets, je n'utilise pas d'outils électriques, alors j'ai joyeusement sculpté à la main chaque pièce pendant 18 jours, pour un total de 140 heures avant de terminer. La sculpture est comme une danse chorégraphiée. Avec un projet si complexe, chaque élément doit s'intégrer correction à un autre : le museau doit être sur la tête, la fourrure du dos doit rejoindre la queue. Il faut être capable d'avoir la capacité de voir et de se concentrer pour connecter tous les éléments ensemble et créer la danse parfaite.”
→→Source
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